ALFONSO ANGRISANI: "UN ARLECCHINO, PROBABILMENTE"

Alfonso Angrisani: Un arlecchino, probabilmente

(opera in due Atti)

Allestimento scene ATTO PRIMO In Scena I: Siamo nello studio di uno psicologo. Arredamento classico. C'è la solita chaise-longue sulla quale è sdraiato il paziente. Lo psicologo è in piedi per tutta la scena, cammina avanti e dietro ed ogni tanto si ferma. Non hanno nomi, non si chiamano mai per nome. In Scena II: Lucifero è vestito di rosso dalla testa ai piedi, la foggia dell'abito è una tunica. L’Angelo della Morte è vestito di nero, in redingote e stivali lucidi, non ha le ali, ha un grande mantello nero sul quale è disegnato un teschio ed una clessidra, in mano porta un frustino. La scena è allestita con sole due sedie, lo sfondo è grigio. ATTO SECONDO In Scena I: Lucifero ha vestiti come in Atto primo, Scena I. L’Onnipotente indossa una tunica bianca, scarpe da ginnastica. La scena ha per ambientazione una grande scrivania - messa per obliquo rispetto alla linea di platea - in stile molto moderno e colore bianco laccato. Si deve dare, nell’allestimento scenico, l’idea di nitore ed essenzialità assoluti. In Scena II: Per Lucifero ed Angelo della Morte stesso allestimento vestiti che in Atto primo, Scena II. Due comparse allestiscono il manichino dell’Uomo, fatto di creta grigia, attaccando su di esso 14 fogliettini di diverso colore (i 7 peccati capitali e 7 corrispondenti virtù). Scena III stesso allestimento che in Atto primo…”. Un’opera intensa, attuale, introspettiva e narrativa le cui sequenze vanno a indagare e a reificare  la complessità dell’animo umano. Si va al sodo, senza preamboli, senza sovrastruttura; la penna con agilità descrittiva ci mette di fronte a scene che dipingono  nella loro essenzialità la nostra società, la vita, la morte, la fragilità umana. La maschera pirandelliana, l’incomunicabilità, nessuno si chiama per nome. Vedi questi giovani incollati al telefonino, schiavi di virtuali  messaggi, di immagini fasulle, non più a loro agio con le parole e il linguaggio dei padri, di quando ci si incontrava a tavola non solo per mangiare ma per guardarci in  faccia e confessare le nostre esperienze. Tutti quegli ingredienti che, pane e sostanza per preti, filosofi e scrittori, al fin fine sono presupposti che identificano il dipanarsi dell’esistere; ciò che contribuisce  a metterne in  risalto gli aspetti che lo condannano e lo prendono di mira: lo psicologo, il tempo, la clessidra, la  morte, Lucifero, la fretta, la corsa che l’uomo è costretto a intraprendere per reggere il passo, la futilità, il ritmo veloce del tempo, e la frastornante caducità di un essere se  misurata con la portata dell’eterno.  Insomma la società dei consumi, dove nessuno è più autosufficiente ed ognuno ha bisogno del cicchetto (dello psicologo) per riprendere il viaggio. Una coreografia teatrale che nella sua asciuttezza tanto ci  fa da antiporta alla lettura. I dintorni devono apparire semplici, e anch’essi nella loro essenzialità devono contribuire a far risaltare la psicologia degli attori in scena; mi si permetta un raffronto tra il corridoio d’ingresso al castello dell’Innominato e i contorni dell’opera in questione. Gli ambienti risultano pienamente finalizzati, incanalati verso le strutture emotive. Altro elemento non secondario il confronto serrato tra lo psicologo e il paziente: domande e risposte apodittiche e secche, tanto che l’autore ci appare nella sua ontica predisposizione riflessiva non  lontano dalla maieutica socratica. Una vera predisposizioine dialettica che indaga e fissa, che osserva e analizza, che incalza e medita. Ne deriva una visione di un uomo piccolo e indifeso in un mondo di aggeggi che vanno oltre la sua presunzione di tuttologo. Misero e impotente, agli antipodi di un mondo che cresce a dismisura e che lo mette sempre più in luce come creatura bisognosa di aiuto per sopravvivere. Una cosa è sicura: se il progresso (come affermava già Galilei) fosse a dimensione umana, se fosse a beneficio degli uomini, l’uomo si sentirebbe più protetto e  più vicino a casa sua. Il fatto sta che le due posizioni si divaricano sempre di più e noi facciamo di tutto per accodarci a tale andatura, mentre dovremmo ribellarci e trarre  esempio dagli antichi usi, quelli dei padri, che vivevano da poeti, gustando l’oro dell’alba e il corallo del tramonto. Se si tornasse un po’ indietro non sarebbe male, vista la situazione in cui ci troviamo. Comunque non vogliamo dire che non ci siano stati benefici, cerchiamo di evitare atteggiamenti di ovvio passatismo, ma lo spirito, senz’altro, ne guadagnerebbe se tornassimo a contatto con una natura vista come prima madre a livello etico e poetico; umano e divino. Questo è il succo dell’opera di Angrisani, una narrazione  che sotto il profilo storico-sociale e filosofico, ci riporta coi piedi per terra,  ad una dimensione strettamente realistica, frutto di una simbiotica fusione di contrappesi, e perché no,  di una  visione anche ironica sul dipanarsi della vita, come scrive l’autore: “L'opera che ti invio è incentrata proprio sul tema della natura umana, sul perché siamo così imperfetti, se poi siamo e in che misura colpevoli di questa imperfezione. Mi sembrava, così, originale immaginare che l'animo umano fosse il risultato di istanze contrapposte di bene e di male, un "animo arlecchino", insomma, frutto di una scommessa o contesa tra Entità superiori. L'intento era quello di portare lo spettatore a questa presa di coscienza. Ho tuttavia cercato di evitare - in un tema così "pesante" - il rischio di un teatro saggistico o didascalico, introducendo momenti di ironia e ricorrendo anche alla umanizzazione della Divinità nelle sue articolazioni (quest'ultimo espediente non è, ovviamente, una novità). Bisognava non annoiare lo spettatore, cercare di condurlo in terreni complessi con mano possibilmente non troppo calcata. Beckett non può essere imitato...meglio prenderne le distanze.” (Alfonso Angrisani)

Nazario Pardini