Giorgio Linguaglossa

 

Antonio Bologna legge: " Elegia per me stesso " di Rodolfo Vettorello

 

Considerazioni isagogiche su

Elegia per me stesso

di Rodolfo Vettorello

 

Chi in punta di piedi entra nella poesia di Rodolfo Vettorello si trova davanti un diagramma spaziale-evolutivo, che apre il lettore a una nuova dimensione antropometrica, derivata, in gran parte, dal perenne assioma ontologico, presente in maniera dominante nell’alveo della riflessione tanatologica, nata dalla sempre presente, e ossessiva, lezione eraclitea. Questa idea già presente, e ampiamente trattata da Leopardi e acutamente sviluppata da Foscolo nel suo capolavoro lirico-poetico, trova degno e felice epilogo in quest’opera di Vettorello, con la quale, in un avvenire non troppo remoto, dovranno cimentarsi intelletti di ben altra levatura, per compiti ben diversi.

Se Foscolo nel carme Sui sepolcri dal continuo fluire del tempo e degli elementi aveva tratto spunti di intenso lirismo, che si possono riassumere in questa manciatina di versi:

                  e una forza operosa le affatica

di moto in moto; e l’uomo e le sue tombe

e l’estreme sembianze e le reliquie

della terra e del ciel traveste il tempo,

nei quali serpeggia latente, ma terribilmente evidente col suo spettrale potere Thanatos, nella silloge vettorelliana la morte è presente in quasi tutte le liriche e convoglia l’animo e la riflessione dell’attento lettore verso orizzonti pregni di infausti, ma reali presagi. Nel raffinato componimento poetico l’autore non soggiace al trito e stucchevole sentire comune, ma da considerazioni meramente riduttive come aquila si eleva, per spaziare dalla cristallina purezza dell’infinito su quella forza operosa, cui soggiace in modo ineluttabile l’uomo col suo destino.  

Su una tomba nella chiesa di S. Francesco, a Fondi, anni addietro ho letto con molta attenzione un epigramma, che ha lasciato una traccia indelebile nel mio animo:

Tendimus huc omnes: metam properamus ad unam;

                 omnia sub leges mors vocat atra suas. 

Che si può rendere: «Tendiamo tutti verso questo luogo: andiamo in fretta verso un’unica mèta; la tenebrosa morte raduna tutti i viventi sotto le sue leggi». È, questo, il monito, che con cruda verità la Natura rivolge all’uomo: all’ignoto autore non sfuggiva il potere tanatocentrico comunemente concepito.

Dopo la lettura della significativa silloge, che invita a riflettere su una realtà sempre presente, l’uomo sembra ebbro del nettare degli dei omerici con aggiunta di nepente; e molti, impressionati dalla lirica compostezza e dal messaggio, veicolato dal vigoroso afflato poetico, se ne stanno tristi, cupi, preoccupati, come se fossero stati condotti via con la orza dall’antro di Trofonio. Gli stretti vincigli della Natura, infatti, angustiano il loro animo traballante, spaventato, incerto per la cupa prospettiva del futuro non adeguatamente preparato dal presente, che, come insegna Seneca, scorre incerto tra mille occupazioni, per lo più inutili, perché nessuno è veramente padrone di sé e del suo tempo.

Immerso nel turbinio di mille faccende, continua l’antico filosofo, nessuno dà giusto valore a tempo e alla sua giornata, e non si rende conto come egli muoia giorno dopo giorno. L’uomo, come ripete Vettorello, che certamente ha assimilato il dettato senecano,     vive nella continua illusione che la morte sia un evento destinato a un futuro lontano, quando è sotto il suo sguardo, e gran parte di essa è già alle sue spalle. Tutto il passato è in potere della morte. Ma Vettorello rende attuale l’antico insegnamento, quando nella lirica La rimpatriata scrive:

                   Il tempo che è passato da quei giorni

                   che si giocava insieme nei cortili

                   ha lavorato su di noi con cura

                   per farci diventare quel che siamo …

                   La vita si costruisce e demolisce

                   le cose e le persone a suo piacere.

Nell’aria rarefatta del puro lirismo, che si infutura in un archetipo spesso sfuggente ed evanescente, il poeta riporta il lettore alla realtà del presente, che si potrebbe individuare, rovesciando in modo adeguato i rapporti, nel carpe diem oraziano. È proprio questo tema di fondo che inciprignisce e costringe il lettore a rugghiare per contrarietà, per lo più mal gestite.

Significativo, quindi, è il titolo Elegia per me solo, che Rodolfo Vettorello ha voluto dare alla pregevole silloge. Il critico, per lo più, concentra l’attenzione sul primo lessema elegia e cerca di trovare agganci e riferimenti con la poesia fiorita in Grecia e il Roma. Sotto questo aspetto, degna di nota è la dotta e ben documentata Prefazione, vergata da Santo Gros-Pietro, che va, necessariamente, tenuta presente per la profonda dottrina e lo stile impeccabile; può bastare a sollecitare il lettore per un primo approccio, per contestualizzare un genere letterario, che nella tradizione letteraria ha trovato geniali esponenti e visioni diverse, pur nell’inveterato solco della tradizione.

Per Vettorello l’elegia non è flebilis, secondo la felice intuizione di Ovidio, perché non effonde lacrime di dolore per l’abbandono della donna amata o per un amore non corrisposto. Il poeta svuota il lessema dall’interno e lo riporta a origini e luoghi più remoti nel tempo e nello spazio, da dove è partita, per giungere prima in Grecia e, successivamente, a Roma. In questo senso, almeno esteriormente, si potrebbe accostare a Callimaco, ma il discorso condurrebbe molto lontano e metterebbe in ombra lo sforzo e l’originalità del poeta, il quale si riallaccia direttamente al genere della lamentazione, presente in tutte le letterature orientali, come quella, più documentata, ugaritica ed ebraica.

Tralasciando disquisizioni storico-letterarie, si richiama l’attenzione del lettore sulla natura antropologicamente dialettica della poesia vettorelliana, che già nella lirica incipitaria, Le infinite agonie, traccia l’iter del percorso poetico, nel quale pone in piena evidenza la sua polarità perfettamente speculare rispetto ad altre raccolte, pur pregevoli. Il carme, sapientemente intessuto con accorta e ben studiata disposizione metrica, nella quale sintagmi e lessemi formano figure indelebili e sfumano nel non troppo velato lamento sulla fuga del tempo e della vita; condensa in un’amara sequenza di versi il già riportato sintagma foscoliano:

                   Agonie della vita;

                   un giorno dopo l’altro si consuma

                   una nuova agonia,

                   una infinita

                   di anelli una catena disumana.

                   La morte ci umilia e ci devasta

                   annulla ciò che siamo

                                          e le memorie

                   di un velo di silenzio le ricopre.  

Il poeta non a caso apre la lirica, e con essa la silloge, con un sintagma estremamente significativo, l’agonia, gli attimi che precedono il trapasso e avviano in modo irrimediabile alla fine della vita terrena. Già da questo primo accenno, cui bisogna necessariamente sottendere un velato pessimismo di derivazione leopardiana, nella tanatocrazia vettorelliana, come nel suo referente immediato, è del tutto assente quanto ha caratterizzato e plasmato la cultura italiana ed europea negli ultimi due millenni: la speranza e la credenza nella vita oltremondana. Questo concetto, molto dibattuto sotto l’aspetto sia filosofico che teologico negli ultimi due secoli, anche se non è mai accennato in modo esplicito, di tanto in tanto emerge e rivela, seppur velata, l’intima aspirazione di un ego, che si dipana nei rivoli dell’umana sofferenza e cerca una pur terrena immortalità. Per cui molta attenzione richiede l’anaptitico emistichio e le memorie, che, in un intenso endecasillabo fratto, rivela l’intima sofferenza, causata, come dirà qualche verso dopo, dal  

sottile malessere gentile

 ch’è malattia del vivere, assassina.

In questo distico, preceduto da acute riflessioni sullo svolgimento quotidiano della vita, si avverte in modo palese l’ormai noto, e abusato, sintagma montaliano, che tanta fortuna ha incontrato presso ingegni, che potrebbero starsene tranquilli nella fresca grotta di Trofonio e mettere da parte il nepente.

Come per Montale, anche per Vettorello il percorso della vita è piuttosto accidentato, per la continua presenza di dolori, di sofferenze, di imprevisti. Tra gli altri, la vera poesia si assume il compito di analizzare e portare a conoscenza di tutti la sofferenza, che travaglia l’animo dell’uomo, nella segreta speranza che trovi la possibilità di porvi rimedio. Ma questo, di solito, non avviene, perché non esiste una ricetta o una formula, che, per mezzo del linguaggio poetico, di solito scarno ed essenziale, possa risolvere il dolore o la conseguente crisi esistenziale.

Per esprimere questo male e per portarlo alla conoscenza del lettore trofoniano, Vettorello si serve dell’anafora, della climax per lo più ascendente, della metafora, dell’anastrofe e dell’allitterazione. Nel calcolato gioco di luce e ombra, negli sfumati chiaroscuri, nelle fuggevoli reticenze, in modo non diverso da Montale, Vettorello con visione e intento innovativo propone la sua elegia sull’essere contemporaneo, che sfida l’ardua scalata della vita, con la certezza che la sua fine è imminente, perché la morte gli è accanto e cammina con lui.

Più difficile, almeno per chi non è aduso a leggere la poesia, è cogliere l’io lirico, introiettarlo e assumerlo come oggetto di riflessione, di meditazione, di miglioramento: è un efficace antidoto contro la sofferenza, che in modo più o meno palese striscia tra le pieghe della psiche umana. Solo in questo modo l’oscura e incombente tanatocrazia perde il suo mordente e sfuma come nebbia del mattino nell’alba luminosa della propria coscienza di essere esistente, parlante, cogitante. La fiducia in sé sostituisce la fede in Dio e Dio stesso, come nella medesima lirica incipitaria il poeta, non senza rancore e delusione, dice con orgoglio:

Dio se mi ascolti

                                   lascia che ti dica

                        che ti respingo.

                                   voglio che mi basti

                        la mia coscienza libera e nient’altro.

Il poeta, con determinata decisione, rivendica la propria libertà di coscienza, cui si accompagna, come corollario necessario, la libertà di pensiero e di religione. In linea con  le più recenti disposizioni a riguardo, stabilite da autorità internazionali e adottate, in linea di massima, da un nutrito gruppo di nazioni, Vettorello si inserisce in quest’alveo, per determinati aspetti, ancora vergine e si rende interprete di un messaggio, che travalica i confini personali e internazionali, e diviene, nella pletora ciangottante di buffi e coprolitici verbigeratori il corifeo dell’eguaglianza tra gli uomini, perché la morte è, per se stessa e per ciò che rappresenta, l’uguaglianza personificata. Alle ingiustizie della vita, prima o poi, rimedia la morte, che non guarda in faccia a nessuno, non per vendetta, ma per la sua disposizione naturale. Blaise Pascal, infatti, nel dotto e istruttivo volume, Pensieri, nei riguardi della morte scrive: «Tutto quel che so è che debbo presto morire; ma quel che ignoro di più è, appunto, questa stessa morte, che non posso evitare». L’Uomo, infatti, come si evince dalla lettura della silloge vettorelliana, vive come se non dovesse mai morire e, forte della sua presunta supremazia sui propri simili e sugli altri esseri, si abbandona senza remore a ogni sorta di violenze e villanie, che non commetterebbe, se si fermasse un attimo a riflettere che a breve deve presentarsi davanti all’inevitabile tribunale della morte, la quale non concede sconti a nessuno.

Nella sua speculazione filosofica, anche se rudimentale e appena accennata per non incidere in modo negativo sulla sensibilità del lettore, Vettorello connette la morte alla riflessione filosofica e cerca di edulcorare, pur con un linguaggio scarno e realistico, il problema e della morte e del destino. Difatti la riflessione sulla morte, come evento naturale non diverso dalla nascita, è stata il principale stimolo per molti filosofi. Arthur Schopenhauer, ne Il mondo come volontà e rappresentazione, che Rodolfo Vettorello ha certamente letto, scrive che la cognizione sperimentale della morte, non dissociata dalla vista del dolore e della miseria, che caratterizza la vita di tanti esseri indifesi, ha senza dubbio impresso l’impulso più forte alla riflessione filosofica e alle spiegazioni metafisiche del mondo. Del resto se la nostra vita fosse senza fine e senza dolore, a nessuno forse verrebbe in mente di domandarsi perché il mondo esista e perché sia costituito proprio così, perché tutto cadrebbe nella banalità e nell’ovvietà.

Movendo su questo sentiero, per certi aspetti impervio e di difficile soluzione, Rodolfo rinnova il concetto di elegia e le apre un altro orizzonte, in parte ignoto sia ai Greci, sia ai Romani. Per avere un’idea delle innovazioni apportate al genere letterario dal poeta milanese, accanto all’io lirico, che scandisce il ritmo espressivo e compositivo prima del verso e, in un secondo momento, della lirica bisogna sfilacciare la tramatura narrativo-semantica ed esaminare i singoli lessemi, inglobati in strutturati e sostanziosi sintagmi, resi fluidi e fruibile dall’impeccabile struttura metrica, per la quale si può considerare il navalastro della più alta espressione poetica contemporanea.

Consapevole dell’inesorabile scorrere del tempo, Rodolfo vi ritorna con accorata insistenza in tutta la silloge, come se il virgiliano «sed fugit interea, fugit irreparabile tempus» gli martellasse di continuo nella mente e gli procurasse una certa ansia e inquietudine, come si può evincere dal messaggio, che vivifica la lirica Non è giunta ancora, della quale qui si riportano solo i più significativi lacerti:

                   Mi dico che sarà l’ultima volta,

                   me lo dico sovente,

                   come si fa con ciò che si vorrebbe

                   ripetere per sempre, all’infinito.

                   Andare via da questo luogo d’ora

                   avrà il sapore amaro dell’addio

                   ed ogni addio nasconde la paura

                   che andarsene sia un modo di morire,

                   sia pure solo un poco e a poco a poco….

                   Potrei forse rinascere alla vita

                   se avessi la speranza che davvero

                   l’ultima volta non è ancora giunta.

Anche a un’attenta lettura della lirica, riferita solo in parte, sembra che il poeta voglia richiamare l’attenzione del destinatario con la martellante insistenza sull’imminenza della morte e sull’intensità della sua bruttezza. Questa realtà, che l’uomo sperimenta e tocca con mano in ogni momento della giornata, non viene collocata in un ambente determinato, nel quale l’Uomo, oggetto e soggetto di questa tremenda realtà, fornisce la misura per gli altri. Essa diventa tramite d’una realtà e intensità febbricitante. La sua rappresentazione, reiterata con crudo realismo e un sotteso e nervoso timore dell’aldilà, si insinua sensibilmente nell’anima e crea sconcerto, confusione, incertezza; diventa una straziante lamentazione nel bugno della silloge, che avvince il lettore in attesa di luminosi squarci di cielo. Ma anche l’aspetto della bruttezza, che turba i sogni soprattutto di chi ha varcato una certa età, rivela momenti di intensa liricità, che schiudono la mente a respiri liberatori soprattutto quando alle sofferenze ordinarie non si riesce a trovare una via d’uscita. E domina in questi casi la bellezza, che permette di percepire il profondo e rasserenante respiro della Natura, per lo più intesa e proposta in senso leopardiano. Sono, questi momenti, residui reali dei veri componimenti poetici.

Non solo nella silloge in oggetto, ma in tutte le raccolte poetiche di Vettorello si riscontrano belle pericopi, accattivanti per le immagini o anche per il canto della lingua. Sorprende, però, che essi non stanno soli, non formano un unico in sé, ma sono, necessariamente, parte di un’unità nella quale il poeta fonde pressanti richiami alla fugacità della vita e alla bruttezza del male di vivere. Bello e brutto, sebbene siano nella loro obiettività categorie opposte, nella poesia di Vettorello non forniscono stimoli contrastanti e inquietanti, perché sono accantonati, come la differenza tra vero e falso.

Lo stretto ed inevitabile accostamento del bello col brutto produce un’illuminante dinamica di contrasto, che diviene di volta in volta l’elemento più importante, l’asse che unisce mittente e destinatario. È ovvio che in Vettorello il brutto, la visione pessimistica della vita, il costante richiamo alla morte, diviene il tramite, col quale con innata maestria e mano sicura conduce sull’eccelsa vetta del Parnaso, a diretto contatto col puro cielo della divinità ispiratrice.

Il lettore, dopo pochi versi, si accorge subito che il brutto di Vettorello non è il grottesco o l’orrido, che ha caratterizzato per un certo periodo la letteratura italiana, e non solo. Si pensi al Tersite dell’Iliade o all’Inferno di Dante, alla produzione poetica dell’alto medioevo, la quale raffigurava brutto chi non entrava nel novero dei cortigiani. Il diavolo, ovviamente, era brutto, e rimane ancora brutto. Vettorello, inserendosi sulla scia di Novalis prima e poi di Rimbaud, il brutto diviene un tramite interessante e necessario, per andare incontro e comprendere l’intensità e l’espressività della volontà artistica, che con la sua meliggine vellica il potere indagatore e immerge l’io lirico narrante nell’animo del fruitore. Con la sua assiologia la poesia di Vettorello ora serve, ora desta, ora allontana l’energia sensitiva, che aspira a una lettura obiettiva del reale e del sensibile, cui si avvicina e cerca di avvicinare. La produzione lirica contempla tanto i contenuti, quanto, e soprattutto, le relazioni, che ingenerano tensione sovraoggettive. Accenna al brutto della morte, perché con esso, come sfida al naturale senso del bello, insito nella vita, produce quella drammaticità sorprendente, che deve stabilirsi tra l’io lirico del poeta e il lettore.

La bruttezza e la deformità della morte, quale si riscontra nella poesia di Vettorello, è tratta dalla realtà, dalla diretta esperienza ricavata dall’esistenza quotidiana di un mortale qualsiasi, il quale vede la nascita d’una nuova vita e, in controluce, la morte, che accompagna il neonato fino al suo trapasso. Mancano nella silloge gli Esseri plurali del dovunque e del sempre: protagonista è l’uomo, la donna, il bambino, che non sono scheletri informi e cupi, ma persone vive e palpitanti, come quando, parlando in prima persona, il poeta dice in Ingannare la morte:

                   Amo i sogni di altrove

                   e cambiare ogni volta orizzonte

                   per riuscire a ingannare la morte.    

                   Non mi trovi, se spera

                   di trovarmi nel luogo che crede…

                   Tutto questo soltanto

                   per eludere ancora la morte.

L’io lirico si esprime, in questo caso, con scherno, con disprezzo, con stizzosa alterigia davanti a una realtà assiologica, che viene calata nella quotidianità con un’efficace dissonanza tra la melodia e l’immagine, tra il possibile e il reale, tra il caduco e l’eterno. Il lettore in questo breve stralcio assapora i residui del bello, ma vede in controluce la tristezza della realtà, la bruttezza della morte, il dolore causato dal suo arrivo. Il poeta si sofferma con compiaciuta insistenza sulla dissonanza di quanto evoca e diventa egli stesso dissonante, quando unisce nella tramatura lirica primordiali potenze liriche e osservazioni, che, solo nell’apparenza, sembrano banali.

Commisurare i contenuti figurativi vettorelliani alla realtà non può avere che un valore euristico. Quando l’ermeneutica spinge il lettore a penetrare nel profondo, questi deve riconoscere di non esaurire la conoscenza lirica con concetti meramente legati al reale o all’irreale, ma col riferimento a valori immutabili insiti nell’ens cogitans, che diviene motore immobile di un processo analitico strettamente personale.

Nella silloge Elegia per me solo non esiste traccia di realtà deformata, anche se molto spesso il discorso declina verità per lessemi ben orchestrati, che confluiscono in sintagmi specifici, nei quali ogni singola parte o parola ha una qualità netta, sensibile. Tuttavia siffatti sintagmi combinano ciò che è realmente conciliabile sia con l’esperienza sensibile, sia con la logica aristotelicamente intesa. Con l’alta qualità delle immagini e con la loro strutturazione sul piano narratologico il poeta intesse un fitto dialogo sulla realtà, che cade sotto il vigile sguardo dell’interlocutore. Esse, e per qualità e per quantità, superano di gran lunga quella particolare libertà, che, grazie alle forze metaforiche fondamentali della lingua, sono magistralmente coniugate con immagini contemplabili. E ciò può avvenire solo nella poesia, mediante la quale riescono a trasmettere un’efficacia più tagliente alle caratteristiche presenti nelle realtà stesse, e tuttavia la loro direzione non è rivolta verso un ideale, bensì segue una dinamica riflessiva, la quale, per così dire in mancanza dell’Ignoto invisibile, rende il reale stesso un ignoto, sensibilmente eccitato ed eccitante mediante la dissoluzione dei confini tra le figure, mediante il logico accostamento degli estremi. Nella composizione lirica Vettorello cerca di scandagliare l’ordinamento reale, pur restando nel reale e nel sensibile, mediante procedimenti noti alla precedente poesia. In ogni lirica della silloge, però, si trova per lo più in germe a quanto nelle altre raccolte è pienamente sviluppato, per rendere la realtà più sensibile e pregna d’una semplicità d’urto, come si legge nella lirica conclusiva, La cagna rossa:

                   domani sarà il giorno del trasloco,

                   andremo via di qua per altri luoghi.

   

 

                  

                    

 

 

 

Patrizia Stefanelli ci segnala.......

 

Gian Piero Stefanoni " Deposizione "

 

DEPOSIZIONE

dall'affresco presso la cappella di Santa Giuliana Falconieri in via dei quattro venti a Roma

Ne sollevano le braccia.

Ne piangono la morte. 

Ne contemplano 

e ne distendono il nome,

del corpo mistico le membra.

Reclamata la carne,

consunti al volto

apre la luce il silenzio.

Ma il peso è della madre.

Roma, 12-14 novembre 2023

Lettura della silloge “Fiore di vetro” di Stefano Massetani a cura di Patrizia Stefanelli

 

L’amore è un bisogno? è illusione, corpo, realtà o sogno?

 La poesia che intitola la silloge e la apre, Fiore di vetro, evoca immediatamente in ogni lettore la parvenza di una fragilità preziosa, la vulnerabilità e la delicatezza dell’amore. Un amore che “al soffio del tempo” è diventato scheggia che ferisce la carne. La delicatezza ferisce in un ossimoro crudele in cui il dolore si palesa. L’uomo/poeta non ha più lacrime, accetta di conservare “i resti di questo fiore di vetro” nella sua nostalgica visione con profonda premura. La stessa premura che gli consente una grande intimità, sempre elegante e lieve. Lei dorme, lui la guarda e respira il suo respiro. Corpo e anima sono uniti (Ti ho guardata pag.13).

Desiderio e consapevolezza dell’amore che si perde, sembrano viaggiare all’unisono cercando il   punto di congiunzione tra l’inizio e la fine. Eros e Thanatos lavorano in continua reciproca tensione riuscendo a tenere in equilibrio il piacere amoroso e la malinconia vera o presunta della perdita: “Quando la luce del nostro sole volgerà al tramonto…”; “basterà la speranza di un solo tuo sorriso, ed io ci sarò.” (Io ci sarò pag. 15).

Credo che la poesia di Stefano Massetani, adottando un linguaggio espressivo efficace, riesca a far obliare alcune delle stranezze compositive attuali, spesso senza alcun costrutto o evocazione. Al di là della retorica su quanto e come debba “arrivare” una poesia, a quali materne radici debba allattarsi il verso, questa poesia supera, con la sua semplicità, attraverso regole semantiche e sintattiche e con l’eleganza del sentimento, ogni plausibile divergenza strutturale. Il suo è un linguaggio che coniuga realtà e simbolo con preziose analogie: “È stato come pioggia fredda che ti sorprende senza scampo in mezzo alla campagna.” (L’abbandono pag. 18). Il suo stile di scrittura combina il linguaggio poetico, che è fatto di musicalità e immagini, alla narrazione riuscendo a coinvolgere emotivamente il lettore. S. Massetani usa la lingua colloquiale quotidiana ricca di metafore e di correlativi oggettivi, così come ci insegna T. S. Eliot, per parlarci d’amore. C’è bisogno di poesie d’amore. Di un amore che rispetti le scelte dell’altro, che si slarghi oltre i confini dell’ego in un’osservazione che si fa ascolto dei particolari. Questa sinestesia è evidente nella poesia “Controluce” in cui  la luce del sole è il correlativo oggettivo della conoscenza. Ma la conoscenza è frugale e limitata; così come la notte segue il giorno essa lascia l’esperienza interna del Nostro e poi ritorna per altri luoghi, per anafore ed epifore: “quella luce che mi illuminava il passo,/ ma che ormai si allontana,/ lasciandomi in penombra, con gli occhi gonfi, /sconfitto come un pugile al tappeto e solo,/ infinitamente solo,/ come soltanto io so di essere.” (Giorno dopo giorno pag. 35). E ancora: “Quando ho capito che anche l’amore può morire,/ ho visto il sole spegnersi all’improvviso,/ ed ogni riverbero di luce sparire…” (Anche l’amore può morire pag. 45). Nella sua poetica il tema dello sguardo è onnipresente a significare la solitudine interiore; l’io lirico riflette e narra l’essenza percepita del mondo: “La luce dell’alba che sorge alle mie spalle,/ riduce, inesorabile,/ tutte le ombre del mondo che appare davanti agli occhi.” (Impronte sulla sabbia pag. 38).

 La poiesis procede per immagini che sono parole e prendono vita da una memoria primigenia interagente con esse, anche in contraddizione. È così che si creano le figure fondanti la composizione poetica: “Si mescolano e cozzano tra loro, nel vano tentativo di uscir fuori,/col crepito sordo che fanno i sassi agitati in un barattolo.” ( Le parole non dette pag.27).

Il climax delle poesie che vanno a chiudere questa raccolta sorprende nelle chiuse. Ad un incipit crudo in cui  la consapevolezza della perdita, esperienza universale, conchiude il senso del vuoto e del lutto amoroso, subentrano tentativi di rinascita e la speranza di andare avanti nonostante il dolore personificato dalla polvere [lenta ed inesorabile…]  che si posa,  nei versi di Voglio innamorarmi ancora.

 

 

Premio Letterario Nazionale Massenzio

Comune di San Cesareo

II edizione

Gemellato con

il Premio Letterario Nazionale La Tridacna

Città di Colonna

AVVISO PUBBLICO

MODALITA’ DI PARTECIPAZIONE

Possono partecipare testi in lingua italiana e vernacolare di autori che abbiano compiuto il

diciottesimo anno di età alla data di scadenza del bando.

Art. 1: Le opere potranno essere edite o inedite, nonché premiate o non premiate in altri concorsi

letterari. L’autore dichiara, altresì, che l’opera proposta è di propria stesura/realizzazione, e non lede

in alcun modo i diritti d’autore ed editoriali propri e/o di terze parti.

Art. 2: Sono previste tre sezioni:

Sezione A: Poesia in lingua italiana: max 30 (trenta) versi formato word (non sono ammessi invii di

libri). Il concorrente può partecipare con un numero massimo di 2 (due) opere, edite o inedite a tema

libero.

Sezione B: Poesia o breve testo in vernacolo: max 40 (quaranta) versi formato word per la poesia e

max 5.000 battute per il testo (non sono ammessi invii di libri). Il concorrente può partecipare con un

numero massimo di 2 (due) opere, edite o inedite in dialetto con relativa traduzione in lingua italiana.

Sezione C: Racconto a tema libero: max 20.000 battute spazi inclusi formato word (non sono

ammessi invii di libri). Saranno valutate a insindacabile giudizio del presidente del concorso opere

che sforano leggermente le 20.000 battute. Il concorrente partecipa con un solo racconto, edito o

inedito, a tema libero.

Non sono ammessi testi inneggianti alla violenza, razzisti, sessisti, né blasfemi.

Art. 3: Il carattere da utilizzare per la scrittura delle opere è il Times New Roman 12 in formato word

su foglio standard A4, interlinea 1.0.

I testi da inviare dovranno essere tassativamente anonimi, e dovranno recare il titolo dell’opera e la

sezione sul modulo d’iscrizione.

Art. 4: Le opere non verranno restituite; i concorrenti ne resteranno tuttavia unici proprietari.

Art. 5: I dati personali trasmessi verranno trattati in conformità alla legge 196/2003 e normativa

europea GDPR per le sole finalità connesse al concorso.

Art. 6: La giuria, all’uopo designata, determinerà una classifica in considerazione della qualità delle

opere, dei valori dei contenuti, basandosi su una sensibilità umana e artistica. L’operato della Giuria

è insindacabile e inappellabile. La Giuria potrà anche decidere di non assegnare i premi.

Art. 7: Il materiale dovrà essere inviato entro e non oltre il 25 novembre 2023, unicamente a mezzo

e-mail a premioletterariomassenzio@comune.sancesareo.rm.it insieme alla scheda di partecipazione,

compilata in ogni sua parte in stampatello e firmata, più attestazione del contributo di partecipazione.

Art. 8: I premi in denaro non ritirati personalmente durante la manifestazione di premiazione

rientreranno nella disponibilità promotrice del Premio che provvederà a spedire solo la targa e la

motivazione. Salvo diverse indicazioni del promotore del concorso.

Art. 9: Ogni autore (o chi ne tutela i diritti), proponendo la propria opera al Premio, sottoscrive e

accetta integralmente e incondizionatamente il contenuto del presente Regolamento comprensivo di

10 (dieci) articoli che potrà, in caso di necessità ed al solo giudizio dell’organizzatore, subire qualche

variazione. Nel qual caso a tutti i partecipanti verranno fornite con ampio preavviso tutte le

indicazioni circa la premiazione.

Art. 10: Diritti d’Autore. Le poesie e i racconti degli autori selezionati verranno pubblicati in

un’opera antologica disponibile il giorno della premiazione. Gli autori, per il fatto stesso di

partecipare al Premio, cedono il diritto di pubblicazione al promotore del Premio senza aver nulla a

pretendere come diritto d’autore. Il volume sarà pubblicato in cartaceo e i diritti rimarranno comunque

degli autori, che potranno, quindi, far uso dei propri elaborati come vogliono.

Contributo di partecipazione

Per prendere parte al Premio è richiesto il contributo € 15,00 per singola sezione. I concorrenti

possono partecipare anche a tutte le sezioni versando le relative quote.

L’iscrizione andrà fatta tramite Bonifico bancario intestato a:

Comune di San Cesareo

IBAN: IT17D0359901800000000139168

causale: iscrizione (cognome e nome autore) Premio Letterario Nazionale Massenzio

Premi

Per tutte le sezioni si provvederà ad attribuire i seguenti premi:

1° premio – € 150,00 con targa e motivazione della Giuria

2° premio – € 100,00 con targa e motivazione della Giuria

3° premio – € 50,00 con targa e motivazione della Giuria

Una targa con motivazione verrà offerta dal Premio Letterario Nazionale “La Tridacna Città di

Colonna”. Verranno altresì assegnate ulteriori targhe, pergamena d’encomio, menzioni d’Onore e

Segnalazioni di Merito a opere ritenute meritevoli.

La cerimonia di premiazione si terrà nel mese di gennaio 2024 in San Cesareo (Roma), salvo diverse

indicazioni. La classifica finale dei primi tre vincitori di ogni categoria verrà comunicata durante la

premiazione, mentre gli autori premiati con targhe menzioni e segnalazioni saranno avvisati in

precedenza.

I premiati compresi i primi tre classificati (indicati in ordine alfabetico) saranno informati entro il

mese di dicembre 2023.

Le comunicazioni saranno effettuate tutte via e-mail.

Ai sensi del DLGS 196/2003 e del Regolamento Europeo n. 679/2016, i partecipanti acconsentono al

trattamento, diffusione ed utilizzazione dei dati personali da parte dell’organizzatore, e della Casa

Editrice per lo svolgimento degli adempimenti inerenti al concorso e altre finalità culturali afferenti.

Presidente del Premio: Antonella Gentili (Storica, Scrittrice)

Il Presidente ed i Membri di Giuria verranno designati e resi noti alla scadenza del termine di

presentazione delle domande di partecipazione.

Riccardo Mazzamuto:" Patria metallo dell' inganno....."

 

Una vera denuncia contro l’uranio impoverito fatta con sentimento e riflessione: morte,  testimonianza di un padre  che si rivolge al figlio con animo afflitto, con passione di padre (figlio mio), contro tutti coloro che, con documenti e  testimonianze di tutto rispetto, niente hanno fatto per far emergere la verità. Sono questi i fatti di questa silloge, veramente nutrita di rancore e di rabbia per la sorte di coloro che hanno creduto.   Riccardo Mazzamuto un soldato che ha dato tutto il proprio impegno per  il proprio lavoro. Una vera denuncia con elementi alla mano, documenti  che fanno tremare il polso. Un diario di guerra che denuncia la guerra, l’inutile barbarie di una civiltà poco civile. Leggere queste poesie è come sentirsi male.  Giovanni Falcone: “si muore perché si è soli, o perché si è entrati in un gioco più grande di noi. Si può morire spesso perché non si dispone delle necessarie alleanze perché si è privi di sostegno” : questo è quello che scrive  Falcone con la penna di Mazzamuto. Tanti sono i documenti che danno  corpo a questa silloge di rancore e di guerra. Documenti che hanno portato sostanza alla silloge con poesie di grande levatura prosastica e contenutistica:  “Inseguire ideali inutilmente”, “Ottobre 1993 anime allo sbaraglio “, “Un padre”. Una silloge ricca di riferimenti contenutistici che spaventano per la loro crudità e per la loro verità. Tante le poesie di denuncia e di risentimento per non avere dato quello che è determinante per la patria. Un insieme di componimenti che fanno brillare  gli occhi per la loro verità. Chiudere la mia breve riflessione riportando queste parole “….rispettando il giuramento sognavo quella meticolosità…..” significa cogliere il   momento più tragico della silloge.

 

Nazario Pardini

Franco Donatini ci segnala........................

 

“La dimensione umana dell’esistere” di Nazario Pardini e Patrizia Stefanelli. Relatore Paolo Stefanini. Biblioteca Comunale Peppino Impastato Cascina (PI) 25 ottobre 2023

 

Quest'incontro suscita almeno due forti motivi di interesse (e per quanto mi riguarda anche di apprensione).

            Il primo è la stessa levatura dei due autori: Patrizia Stefanelli, qui fisicamente presente, non è solo la poetessa pluripremiata e plurirecensita che conosciamo, ma è anche scrittrice di teatro, critica, regista e infaticabile operatrice culturale (sua è l'associazione e suo è il premio “Mimesis”). Aggiungo infine che è poetessa dialettale (questo mi tocca il cuore). Nazario Pardini, anche lui comunque presente fra noi è un emerito italianista della nostra Università, poeta, critico, generoso fondatore e animatore della rivista web “Alla volta di Leucade”, che spesso ha ospitato anche alcuni di noi. A lui Patrizia Stefanelli si rivolge chiamandolo Maestro e credo che tutti come tale lo riconosciamo.

            Il secondo motivo di interesse è la novità assoluta, perlomeno per i nostri tempi, di questo dialogo in versi: Nazario Pardini Patrizia Stefanelli – La Dimensione umana dell'esistere. In esso i due autori, tramite mail (stupendo l'incrocio fra un genere antico, dimenticato e strumenti moderni) riversano in otto giorni di comunicazione poetica, il proprio patrimonio di conoscenza  reciproca, di stima, di consonanza di pensiero,  di comune sentire, di affetto. Lo fanno certamente per loro, ma dichiaratamente anche per noi tramite la pubblicazione. Di cosa parlano? Non è il caso di anticipare, magari male, quello che sentiremo, ma si può comunque dire che si tratta dei grandi temi della vita e fra questi ci troviamo anche la poesia! Piuttosto è opportuno dire come ne parlano e quindi fare un breve riferimento alla loro espressione poetica, si badi bene anch'essa reciprocamente consonante, tanto dare l'impressione di un unico corpo stilistico e rendere quindi  possibile il riferimento paritetico ad entrambi gli autori.                In questo dialogo la poesia, seguendo una tematica davvero varia, intreccia con altrettanta variabilità le componenti essenziali del linguaggio: la semantica e l'orfica-allusiva.  Ovviamente prevale   la prima nell'espressione di concetti filosofici e la seconda nel richiamo di sensazioni, affetti, memorie. I versi sono quelli della grande poesia italiana a cominciare dagli endecasillabi sciolti, intercalati talora da versi più brevi, ma quasi sempre dispari in virtù della loro maggiore duttilità ritmica.

            Per finire consentitemi una nota in merito alla mia esperienza di lettore, augurandomi che la vostra possa essere altrettanto significativa: in questo dialogo ho trovato  una sincerità totale di sostanza e un'autorevole sicurezza nell'usare forme che si vorrebbero ormai superate, forse da parte di qualcuno addirittura bandite. Ho trovato la riprova che la poesia non è votata esclusivamente alla breve scossa dell'emozione, forse abusata  in questo tempo visivo, di relativismo etico e di consumo, ma anche a trasmettere convinzioni, pensiero, riflessioni, insomma a fare filosofia... come già in altri tempi è stato. Ho poi trovato in questo dialogo, e concludo,  tanta eccellente poesia, quella, per dirla con Montale, con quel “quid”,  che solo la poesia può rendere.

Chiudo con alcuni versi di Nazario, quasi una chiave di lettura,  che magistralmente danno dignità a “quella parte illogica di noi” (scrive Patrizia) che è poi quella più libera e creativa.

 

Nazario ore 17:24

 

 

“Eppure chi ragiona veramente

 è proprio quella parte

illogica di noi”. È proprio vero è il cuore che ti chiede

di seguire gli impulsi che la ragione esclude

 e che esso s’impunta di affrontare

 con tutta la libertà e la malia

che sono proprio le virtù dell’essere.